Rafael Rondón Narváez
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A Edda Armas y María Antonieta Flores
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La improvisación nunca definió a la revista Poesía. Desde su primer número, sus fundadores construyeron una imagen ya precisa en su diseño y sus intenciones, y la mantuvieron durante muchos años. Además, anunciaban los siguientes autores a ser incluidos en la publicación sucesiva reflejando la planificación de esta empresa.
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Una tradición de revistas culturales y literarias
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La revista surgió y se mantiene activa en un país con una vasta tradición de revistas culturales. En cuanto a la incorporación visual, no se podrían obviar algunos hitos importantes. Cada una de ellas tuvo su definición y su momento. Ocurrió por lo menos desde la creación de El Zulia Ilustrado en su breve existencia y después en la consolidación de El Cojo lustrado, la cual se caracterizó por los elementos visuales asociados con la fotografía y la reproducción de las obras de arte. Como muchos han reconocido, la revista permitió, entre otras cosas, que las personas se acercaran por vez primera a una obra de arte a la cual no podían acceder de otra manera (Zanetti). También favoreció aquella empresa definida por Benedict Anderson de imaginarse una comunidad, lo cual ocurría cada vez que sus lectores y espectadores se reconocían en la imágenes de pueblos, aldeas y ciudades fotografiadas, dibujadas y reproducidas en sus páginas, pero también en sus figuras importantes y en su historia y proyectos compartidos.
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Una historia parecida se repitió en revistas como Élite, Revista Nacional de Cultura, creada por don Mariano Picón Salas a su retorno a Venezuela desde el exilio chileno, El Farol, la Revista Shell, Imagen y CAL. Sobre todo, esta última, en cuanto a la sustentación de un diseño innovador y con una repercusión importante en el diálogo de las formas más avanzadas presentadas por Nedo y la contribución de artistas visuales, intelectuales y escritores.
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En su artículo de 1999, “Poesía: más allá de las irreverencias (traducción y renovación)”, Douglas Bohórquez compara nuestra revista con Viernes. Quizá esas similitudes provengan de su dedicación casi exclusiva a la reflexión y a la creación poética. Y porque ambas fueron creadas por poetas: en el caso de Viernes por Miguel Queremel, Luis Fernando Álvarez, José Ramón Heredia, Pablo Rojas Guardia, Pascual Venegas Filardo y Vicente Gerbasi y en el caso que nos convoca por Eugenio Montejo, Alejandro Oliveros, Reinaldo Pérez So, Teófilo Tortolero.
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Sin embargo, dos aspectos la distancian de aquella publicación. Primero, la perdurabilidad, pues Viernes solo tuvo una breve existencia de dos años. Mientras que la hazaña de Poesía se extiende por más de cincuenta. Además, Viernes no dio el salto hacia la aparición en sus páginas de elementos visuales innovadores, ni entró en una transición visual como la desarrollada por Poesía.
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Nuevas maneras de leer, nuevas maneras del ver
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Del largo itinerario de esta publicación, me referiré solo a ciertos momentos de transformación hacia lo digital y, en los hitos de este tránsito con la inclusión de las obras de artistas nacionales en cada edición.
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En referencia a este aspecto, hace ya más de cinco años, Jesús Montoya publicó “Nuevos soportes, antiguos espectros: el caso de la revista venezolana Poesía (1971)”. En ese texto, reflexionaba sobre la materialidad de la lectura, cuando mencionaba la sustancia del libro o del soporte. El término que utilizó para analizar este tránsito es el de topoiesis, y hace un excelente examen de cómo el soporte cambió varios aspectos de la revista.
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En mis comentarios, trataré de circunscribirme a la inclusión de artistas visuales en cada número y algunas derivaciones del consumo de sus obras No es mi interés glosar ni disipar la incuestionable pérdida del contacto directo y su carácter único. Cosa que hace ya casi cien años (1936) Walter Benjamín había comentado en su clásico La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. En este caso, me interesa pensar en la sociabilidad o en la democratizadora reproducción de estas imágenes gracias a la ayuda técnica, a la creación de esta maravillosa página de internet y también hacer un breve comentario sobre el cambio en la recepción.
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La pérdida de la materialidad no puede ser vista como un aspecto nefasto, como el menoscabo de la experiencia aurática y casi sacra con la obra, es mejor hallar en ella la potente posibilidad de la inmigración, el tránsito, la navegación casi infinita en la red. Es interesante cómo esto se produce en momentos de cambios en el consumo de esta visualidad, y cómo convive, además, con los mismos procesos migratorios del país.
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En los números en físico, durante años se mantuvo la sobriedad del diseño creado por Fritz Küper, aunque ha habido cinco etapas como bien los menciona Montoya. En los primeros números, irían apareciendo algunas imágenes, pero siempre sometidas a las condiciones propias de la reproducción de ese entonces, de los accesos materiales y técnicos. De manera gradual, se incluyeron algunas obras de autores y artistas, entre ellos, el entrañable Mario Abreu y después las múltiples viñetas y las fotografías en los números especiales.
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Pero en los últimos años, ocurrieron profundos cambios. Habría que ver cómo influye la creación de una página web en el año 2016. Y aunque algo de ello lo menciona Montoya; otras consecuencias se derivan de la inclusión de elementos visuales decisivos y la inserción de artistas invitados en cada número. Esta introducción se venía realizando desde el número 65 de su edición física, sin embargo, esta presencia en la edición digital crea otras consecuencias. Una obvia es la promoción de las obras a una ingente cantidad de artistas cuyas obras dialogan con los textos y con la propuesta del diseño. ¿Qué tipo de relación se establece entre estas imágenes y las obras poéticas, los textos críticos y teóricos? De antemano, indicamos que no son una mera ilustración subsidiaria. Pues, se crea una experiencia de referencias intermediales para entretejer lo visual y lo textual y una doble interpelación de cada medio.
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Se crea un nuevo lector, es cierto, que algunos llaman multimodal, pero con evidencia también un espectador multimodal de las obras de arte reproducidas. Hay otras formas de percibirlas y ya no con la disposición obligada por la materialidad. En cuanto al devenir de la página, este suceder digital construye varios recorridos: puede ser el más tradicional. Sin embargo, la pantalla tiene ahora una nueva condición para propiciar un diálogo al histórico de una obra en un museo (material, única, tangible, texturizada) y al de las páginas también tangibles.
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Casi siempre esta virtualidad impone recorridos no lineales. En la mayoría de los casos, incluso la lectura obliga al traslado hacia el post, donde la imagen se redefine. Desde allí y en cada número se puede volver a las representaciones anteriores y otras que desbordan este espacio en formas fragmentadas de expectación.
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Formas de atención donde se producen barridos de imágenes, limitados al soporte, dimensión y calidad de la pantalla, variables en sí mismos; saltos dentro de la pantalla hacia otras obras o hacia otros enlaces casi infinitos, interrupciones continuas, parciales o definitivas. Esto propicia asimilar nuevas forma del ver y también de leer.
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Imposible la mera ilustración acostumbrada del soporte material, al estar allí ya establece un nuevo vínculo y el contacto la carga de nuevas connotaciones entre las posibilidades imaginarias de la palabra poética o ensayística y la imágenes también sugerentes y no conductoras de las obra reproducidas.
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De manera homológica, la revista dialoga con el espacio del museo. Mientras este deja de enunciarse como el lugar único del consumo de las obras y muchos artistas recurren a los códigos QR que desde los mismos lugares expositivos sacan a los espectadores hacia la virtualidad, la página de la revista nos traslada hacia las obras de los artistas en Instagram y así tenemos una visión más completa de su trayectoria. Siempre con la posibilidad de un encuentro posterior, tanto en las redes de internet, como en una exposición física.
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Las ventanas, ahora virtuales, ofrecen la asistencia a una muestra individual de los artistas en cada número, pero a diferencia de las exposiciones tradicionales donde se dirime la materialidad física única y la circunscripción al lugar, aquí la obra se recorre de otra manera en su existencia virtual.
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Las obras no están siempre realizadas para la observación en una sala y cuando ya existen igual deben pasar por un proceso de reconversión, es decir, pensar la imagen para lo digital presupone una elaboración diferente y una calidad premeditada para el espectador/lector.
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Una vasta morada de artistas
Con respecto al proceso curatorial, se percibe la selección amplia y plural de tendencias visuales que se pasean por propuestas más o menos consagradas como la de Víctor Julio González, Annella Armas o Blanca Haddad con la de jóvenes generaciones que transitan o transitaron por sus primeros acercamientos visuales.
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Existen propuestas que van desde lo más figurativo hasta la abstracción. Y en cuanto técnica de la obra original, se incluye el dibujo, diseño gráfico, la pintura, obras objetuales como la de Efraín Ugueto y algunas fotografías. Aunque curiosamente no es el medio con más presencia. Y digo curiosidad porque siempre la fotografía ha sido la aliada en la empresa editorial de las revistas literarias. En el caso de Poesía mocionaré a Gala Garrido y a Freisy González Portales.
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Hay, pues, diversidad de técnicas; sin embargo, por razones obvias en cuanto a la exploración bidimensional de la pantalla, abundan los dibujantes y los diseñadores gráficos.
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Subrayo otro aspecto atractivo en estos últimos números. En un contexto donde las distancias de los géneros y de los oficios tienden a traspasarse y transgredirse, se potencia la factibilidad y renovación de una tradición: los escritores pasan a ejercer también en las artes, como ocurrió antes con Leoncio Martínez, Juan Calzadilla, Carlos Contramaestre. De este tipo de experiencia hay varios ejemplos en la revista: Fedosy Santaella, Felipe Ezeiza , Euro Montero Pamela Rahn Sánchez y Adrián Arias Pomontty.
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Como lo mencioné antes, la selección se hace para darle cabida casi con exclusividad a los artistas nacionales; salvo muy pocas excepciones. Para mí, esto es ya una iniciativa para crear una vasta comunidad imaginada, significativa además en esta dispersión de la diáspora. La idea de lo nacional crea un imaginario, pero a diferencia de la construidas por la revistas y otras formas artísticas en los procesos tradicionales de modernidad, las cuales aspiraban a la cohesión y la homogeneidad, ahora se hace desde lo diverso, lo migrante, heterogéneo, virtual.
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La migración de la imágenes evidencia asimismo la distribución de estos artistas en lugares disímiles de producción, los cuales influyen con su lógica. Esta peregrinación conduce a propuestas fuera del país, donde actúa el desarraigo, la memoria y la añoranza. Otros, producen desde el transcurrir de los comarcas nacionales, condicionados por los asuntos apremiantes, las formas de políticas y de censura. No hay solamente dos países: uno de inmigrantes y otro de residentes, sino formas múltiples de identidades y estas obras las están asimilado, creando e imaginando.
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Además, esas mismas identidades y arraigos se desplazan constantemente: desde 2016 hasta hoy, en las ediciones digitales algunos artistas no están en el país o cambiaron el estilo de sus obras o ya no tienen Instagram…
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Coda
En el año 1971, las predicciones eran un poco más seguras; hoy, el destino de la revista es más misterioso, impredecible, porque la tecnología cambió y seguirá cambiando las mediaciones y las formas de difundir la poesía. Ya lo intermedial se aborda en la revista con la inclusión de lo textual y lo visual: ahora veremos cómo se está integrando lo sonoro para atender experimentos poéticos anunciados en números anteriores.
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Con seguridad, el futuro será mucho más sorprendente del que ahora imaginamos, pero con seguridad también estará la revista abierta a nuevas formas de lecturas con el asombro, a veces incierto, de habitar la palabra poética en aquello que siga siendo humano.
Caracas, Noviembre 2025
Referencias
Anderson, B. (1993). Comunidades imaginadas. México: Fondo de Cultura Económica.
Benjamin, W. (1936/2003). La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. México: Ítaca.
Bohórquez, D. (1996). Poesía: más allá de las irreverencias (traducción y renovación). América. Cahiers du CRICCAL, 15(1), 265-274.
Recuperado de https://www.persee.fr/doc/ameri_0982-9237_1996_num_15_1_1197 (consulta: 31/10/2025).
Montoya, J. (2019). Nuevos soportes, antiguos espectros: el caso de la revista venezolana Poesía (1971). Jardín de los poetas.
Revista de teoría y crítica de poesía latinoamericana, 8, 67-84.
Zanetti, S. (2005-2006). Una revista notable: El Cojo Ilustrado de Venezuela. Revista del Centro de Letras Hispanoamericanas, 17, 131-160.
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R.
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Rafael Rondón Narváez. Escritor venezolano. Licenciado en Letras por la Universidad Católica Andrés Bello (Ucab), Maestría en Literatura Latinoamericana por la Universidad Simón Bolívar (USB) y Doctorado en Cultura y Arte para América Latina y el Caribe por el Instituto Pedagógico de Caracas (IPC), en donde tiene una destacada trayectoria académica, coordinando la Maestría de Literatura Latinoamericana y ejerciendo actualmente la dirección de la Cátedra de Literatura Latinoamericana y del Caribe. Es un activo investigador, siendo miembro del Instituto Venezolano de Investigaciones de Lingüística y Literarias “Andrés Bello” (Ivillab). Fue jefe de investigación del Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu y director de la Galería Municipal de Arte de Maracay. También ha desarrollado un extenso trabajo como crítico y curador, realizando textos sobre arte en diversas publicaciones nacionales e internacionales. Su obra abarca el ensayo, la narrativa y la poesía.
